Woody Allen habla...

“La mayor parte de la vida es trágica. Naces y no sabes por qué, estás aquí y no sabes por qué. Te vas, te mueres. Tu familia muere. Tus amigos mueren. La gente sufre. La gente vive en constante terror, el mundo está lleno de pobreza, corrupción, de guerras y Nazis y de tsunamis. El resultado al final es que tu pierdes. No puedes ganarle a la casa”. Woody Allen

miércoles, 16 de marzo de 2011

El Gabinete del Doctor Caligari, 1920, Robert Wiene


Ficha Técnica

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari

Producción: Decla Bioscop

Director: Robert Wiene

Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz

Fotografía: Willy Rameister (B&W)

Intérpretes: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Rudolf Klein-Rogge, Hans Heinz von Tawardowski

Duración: 63 min.

Procedimiento: Blanco y negro



La historia narra, a modo de flashback, las locuras de un demente, el cual es el propio narrador del suceso, Francis. En una feria ambulante celebrada en una ciudad del norte de Alemania, dos amigos, Francis y Alan, acuden al Doctor Caligari, el cual, con ayuda de su sonámbulo Césare es capaz de adivinar cuanto tiempo le queda de vida a Alan. Al día siguiente este aparece muerto. Es el Doctor Caligari que usa al sonámbulo para matar a la gente.


Después de este horrible hecho, Francis investiga al Doctor Caligari e incluso acude al padre de su amada Jane, que es médico, para que examine a Césare, pero resulta no encontrar ningún problema en el. Mientras que continua su investigación, Césare va en busca de Jane para matarla, tal y como le ha pedido Caligari. Al mismo tiempo, el sonámbulo es sustituido por un muñeco para despistar a Francis. Césare se enamora de Jane y la rapta pero muere al caer mientras corre huyendo del pueblo, que le persigue por secuestrar a la mujer.


Cuando la policía descubre quién es el verdadero culpable de todo esto, Caligari ya ha huido pero Francis le sigue y descubre que el Doctor es en realidad el director de un hospital psiquiátrico. Allí investiga en el escritorio de Caligari y se da cuenta de que el Doctor está obsesionado con un suceso que pasó en 1783, donde una persona llamada Caligari usó a un sonámbulo, de nombre Césare, para asesinar. Tras esto, el director del manicomio es encerrado en el mismo.


El marco final de la película nos revela que Francis es en realidad el demente de toda esta historia y que, tanto el como Jane y Césare, están internos en el hospital psiquiátrico. El director descubre cómo puede curar al enfermo, pues ya sabe su problema, y es que Francis le confunde con ese supuesto Doctor Caligari.
El Gabinete del Doctor Caligari es una película muda de 1920 dirigida por Robert Wiene. Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA. Considerada por muchos como la primera película de terror de la historia del cine y como la primera película expresionista de la historia y una de las más influyentes. Los mayores representantes del expresionismo fueron Fritz Lang, George Wilhelm Pabst, F.W. Murnau y Paul Wegener.

El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, cuya intención es meramente dramática y psicológica, y no decorativa. Los decorados están distorsionados, son retorcidos y angulosos, ya que se representan como si fueran cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera, se genera una sensación de angustia constante. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes. También se caracteriza por el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Destacarán además el maquillaje de los actores, y su interpretación exagerada.


Hay varios estudios que intentan explicar la intención de los guionistas, la más destacada es la que se expone en el libro De Caligari a Hitler (1947), de Siegfried Kracauer, que postula que la película puede ser leída como una alegoría de las actitudes sociales alemanas en el periodo precedente a la Segunda Guerra Mundial. Argumenta que el personaje de Caligari representa la figura tiránica y el sonámbulo interpreta el papel del pueblo que hace lo que el líder le pide.. Sin embargo, el trabajo de Kracauer ha sido largamente desacreditado por estudiosos contemporáneos del cine alemán, por ejemplo por Thomas Elsaesser en Weimar Cinema y alter, quien describe el legado del trabajo de Kracauer como un “imaginario histórico”. Elsaesser alega que Kracauer estudio muy pocas películas para realizar su tesis sobre el pensamiento social de Alemania y que el descubrimiento y publicación del guión original de El Gabinete del Doctor Caligari socava su argumento sobre el intento revolucionario de sus escritores. La tesis alternativa de Elsaesser es que los cineastas adoptaron el estilo expresionista como un método de diferenciación del producto, estableciendo un producto nacional distintivo contra la creciente importación de películas de Estados Unidos.

Después de El Gabinete del Doctor Caligari, se reforzó el interés ya existente por temas fantásticos, y con él comenzó también una dedicación intensiva hacia la psicopatología y hacia los peligrosos personajes criminales. El expresionismo alemán influiría luego, por ejemplo, en Alfred Hitchcock.



martes, 8 de marzo de 2011

El gran dictador (1940), Charles Chaplin




Nos encontramos en el final de la Primera Guerra Mundial. Un soldado del ejército de Tomania salva la vida del oficial Schultz y, tras un accidente, sufre de amnesia. Tarda 20 años en recuperarse y, al salir del hospital, se encuentra con un mundo diferente, una sociedad cambiada, donde un dictador llamado Hynkel se hace con el poder de Tomania y amenaza contra el Ghetto judío. En el mismo, se encuentra la antigua barbería del protagonista. Este se enamora de Hannah, una de las mujeres del Ghetto que defiende al barbero cuando los miembros de las fuerzas de seguridad de Hynkel le cierran su negocio. Schultz reconoce al barbero y da órdenes de no molestar al Ghetto judío. Mientras, Hynkel y Napaloni, líder de Bacteria, país fascista al igual que Tomania, deciden invadir Austerlich, ambos por separado. Esto hace que los dos dictadores se vean y discutan para que no invadan el país ninguno de los dos. Hynkel acaba firmando el tratado y, desprevenidamente, invade Austerlich. Por otro lado, Schultz critica la política antisemita de Hynkel, el lleva a un campo de concentración y reanuda la opresión en el Ghetto judío. El general escapa y se esconde con el barbero. Las fuerzas de seguridad los encuentran a ambos y son enviados a un campo de concentración, de donde consiguen escapar vestidos de uniforme. Hynkel, por su gran parecido con el barbero, es detenido mientras está cazando y este otro será tratado como el dictador de Tomania. Su deber como líder de este país fascista es dar un discurso a las tropas sobre la conquista del mundo y, en lugar de eso, el barbero dice todo lo contrario, devolviendo la paz a la humanidad.

El gran dictador es la primera película hablada del cómico director y actor de cine Charles Chaplin. Este film está ambientado entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, en la dictadura de Hitler. Hace critica al auge de los regímenes totalitarios en Europa, en concreto el de Hitler, aunque se menciona también a Mussolini. A su vez, la película supone un canto a la democracia y a la libertad.

Chaplin representa, paralelamente, la vida del dictador Hynkel y la de un barbero judío para mostrar ambos lados de lo que supuso la dictadura de Hitler en Alemania. El director deja de lado su famoso personaje Charlot, que hace peripecias y no tiene un guión importante en la película, para convertirse en Charles Chaplin en el discurso final de la misma. Los personajes tienen su inspiración en la realidad. Véase Hynkel, el dictador de Tomania, representando a Hitler y presentado como un hombre incapaz de gobernar un país. La escena de la bola del mundo con la que juega en una de las escenas más memorables del film, que acaba explotando, física y simbólicamente, en sus manos. Por otro lado, Benito Mussolini es representado como el dictador de Bacteria, Benzino Napoloni. Garbitsch, secretario del interior y ministro de propaganda de Hynkel, está inspirado en Joseph Goebbels, y el Mariscal Herring supone la representación del Mariscal Hermann Wilhelm Göring, responsable de las fuerzas aéreas y uno de los máximos dirigentes de la Gestapo. El símbolo de los nazis en la película es una doble cruz, que significa traición.

He de mencionar la famosa escena donde el dictador juega con el globo terráqueo, feliz porque se ve capaz de conquistar el mundo y expandir su imperio. Finalmente el globo explota en sus manos, símbolo de su posterior fracaso, cuando la dictadura nazi cae. Dejo aquí el link del vídeo:

http://www.youtube.com/watch?v=3ufGTd1Hpfg

El contexto político de la época impidió la propagación del mensaje de este film. La película se prohibió en Alemania, Italia, en Brasil, Argentina, Costa Rica, España, y, en general, en todos los países ocupados por los regímenes totalitarios en Europa.

En mi opinión, fantástica parodia de la dictadura de Hitler, donde cada diálogo tiene su burla hacia estos regímenes fascistas y totalitarios. El decorado y las acciones no verbales de los actores también puntualizan el humor de este magnífico director. Te hace reír al igual que reflexionar sobre el sentido de la dictadura y el odio entre las personas.

Pongo el enlace del famoso discurso final de la película:

http://www.youtube.com/watch?v=49AZc3Gjjo0

martes, 22 de junio de 2010

Cashback (2006), de Sean Ellis



¿Puede alguien parar el tiempo?
Ben Willis, sí.

¡Y de qué manera! Willis (Sean Biggerstaff) es un estudiante de Bellas Artes capaz de parar el tiempo para apreciar la belleza de las cosas detenidamente. Como es de suponer, todo es producto de su imaginación, pero a veces es tan real que te hace creer que puedes parar el tiempo tú mismo.


Esta película la dirigió Sean Ellis tras haber elaborado anteriormente el cortometraje sobre el mismo tema. Tuvo mucho éxito y fue nominado a los Oscars en la categoría de mejor cortometraje. Como consecuencia, el director decidió hacer una película sobre ello. Ellis es un fotógrafo que se retrata a sí mismo en la película, pues admite que, como Ben Willis, él es capaz de detener el tiempo y captar emociones.

El protagonista sufre de insomnio debido al fracaso de su relación con Suzy, de la que está perdidamente enamorado. Para entretenerse y aprovechar todas esas horas que tiene libres, se pone a trabajar en un supermercado, en horario nocturno. Allí conoce a gente que, como él, hacen lo que pueden para hacer frente a las largas noches. Desde el primer momento, a él le llama la atención la cajera del supermercado, Sharon (Emilia Fox), la cual conseguirá que Ben pueda volver a dormir por las noches...


Cuando Willis detiene el tiempo, observa a todas las chicas que hay en el supermercado de cerca, y las pinta, incluida Sharon. El actor consigue transmitir la sutileza con la que Ben ve las cosas. Hace el papel de un chico extremadamente sensible: estudia Bellas Artes, aprecia la belleza y sabe plasmarla en un papel, sufre de insomnio porque su novia le ha dejado,... Es claramente un chico diferente, que vive los sentidos como casi nadie puede hacerlo y, probablemente, también sea un romántico empedernido.
Para mi gusto, "Cashback" es una gran película, poco conocida y poco valorada, que hace despertar el lado más romántico y sensible de las personas, en cuanto el arte y el amor. Está muy bien hecha, cómo se para el tiempo y cómo vuelve, de pronto, todo a la realidad. Quizás no sea tan buena como la estoy pintando, o sí. ¿Quién sabe? Éste es mi criterio y, sin duda, esta película me ha calado hondo.



Y aquí dejo el trailer...:

lunes, 21 de junio de 2010

¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (1972), Billy Wilder



Fantástica película dirigida por el gran maestro de la comedia estadounidense, Billy Wilder, de 1972. Su título original es “Avanti!” (“Adelante” en italiano) y hace referencia a la metáfora que utilizan Wendell Armbruster (Jack Lemmon) y Pamela Piggott (Juliet Mills) para declarar su amor en un país tan bonito como Italia.

Wendell Armbruster es un ejecutivo estadounidense muy ocupado que se ve obligado a acudir al Mediterráneo para recoger el cuerpo de su padre, el cuál ha muerto en un accidente de coche junto a su amante.

Su padre, una persona de alto prestigio en su país, viajaba cada año en verano a una isla de italia para reencontrarse con su otro amor. Lo que Armbruster hijo no sabía es que su padre tuviera una amante con la que se encontraba allí cada mes de agosto. Se sentía muy avergonzado y no comprendía como éste pudo traicionar a su familia.

Pamela Piggot es la hija de la amante del Señor Ambruster padre. Dulce e inocente, conocía el amor entre su madre y el padre de Wendell, y estaba orgullosa y contenta de que su madre hubiera muerto feliz, junto a la persona a la que amaba. Ella tiene un gran complejo: está gordita. Y, por consiguiente, obsesionada con adelgazar. Además, la relación entre Wendell y Pamela no empieza con buen pie, pues este la rechaza constantemente.

Jack Lemmon, gran actor de comedia, hace un papel de ejecutivo aburrido, tradicional, y cuya vida apenas tiene sentido ni ilusión. Por el contrario, Juliet Mills, una gran actriz que rompe con todo tipo de estereotipos en el cine (pues aun saliendo gordita tiene un gran encanto), es una romántica que representa la máxima expresión de los sentidos, apoyando perseguir los instintos que te hacen ser un poco mas feliz en esta trágica vida.

De manera que, a lo largo de la película, Pamela es capaz de hacer cambiar la visión sobre el mundo a Wendell, conmoviéndole y desmaterializándole, haciendo incluso que se enamore de ella, olvidándose de su familia y reviviendo el amor que sintieron en esa misma isla sus padres.

Es una increíble comedia romántica, de la última etapa del director Billy Wilder, mi favorita. Además, canciones tan maravillosas como “Senza fine”, de Gino Paoli, te hacen vivir el film al máximo, sintiendo escalofríos en las escenas más bonitas de la película y haciéndote desear que te ocurra lo mismo que a los protagonistas.

En especial, una escena me encanta, quizás es la mas emotiva, cuando él le declara su amor. Estando muy cerca el uno del otro, Wendell Armbruster le dice a Pamela la palabra mágica “Permesso?”, ella le contesta “Avanti”, y se besan. Durante toda la película podéis observar que el personal del hotel al querer entrar en una habitación dice “Permesso”, para pedir permiso, y si la otra persona le deja pasar, responde “Avanti” (Adelante).

También es mítica la escena en el avión en el que viaja Lemmon para ir a Italia, cuando al despegar, la azafata dice “Por favor, apaguen sus cinturones y abróchense los cigarrillos.” o cuando Pamela, al verse más delgada después de que Wendell le declarase su amor, dice: “Mi psicólogo me decía que era infeliz porque estaba gordita pero me he dado cuenta de que estaba gordita porque era infeliz”.

En definitiva, si quieren disfrutar de un buen rato de risas, vean “¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre?”, porque es preciosa y os hará olvidaros del mundo durante los 144 minutos que dura la comedia.

Dejo aquí el trailer de la película:

http://www.youtube.com/watch?v=-sV5S_JfQVk

martes, 8 de diciembre de 2009

Un final made in Hollywood (2002), Woody Allen


¡El cine aún no ha muerto, sigue vivo! Y ésta es una de las muy pocas películas actuales que lo demuestran. Se trata de Woody Allen, en mi opinión un maestro del cine... Actúa, dirige, escribe, compone... ¿Qué más se puede pedir? Lo tiene todo. Puede hacer que te mueras de la risa, puede tenerte enganchado a un drama, tenerte intrigado o con el corazón encogido en su variedad de películas, incluso en un drama es capaz de tener ciertos puntos cómicos. La verdad, sus películas siempre tienen esos puntos, estoy segura de que no podría hacer un film de terror porque acabaría toda la sala de cine riéndose....

Una de las razones por la cual este director se ha convertido en uno de los predilectos en el mundo del cine es su capacidad de darle la vuelta a todo y mirar su lado positivo pero sin olvidar la seriedad del problema. Siempre tiene una gran moraleja cada una de sus películas. Te hace pensar, dudar y cuestionar en temas como la política, el amor, la belleza, el sentido de la vida,...

"Un final made in Hollywood" es una de sus películas que más me han impactado. Se trata de Val Waxman (Woody Allen), un director de cine que, tras ganar un par de Oscars, su carrera profesional se convirtió en un fracaso. A pesar de esto, él quiere volver a hacer una nueva película para demostrar que aún es un genio. A su vez, su ex-mujer (Téa Leoni) ve a Val perfectamente cualificado para dirigir una nueva película que podría vender mucho, a pesar de que estos no se llevan bien ya que ella le abandonó por otro (Treat Williams), cuyo estudio quiere producir la nueva película. Val acepta pero, justo antes de empezar, se queda completamente ciego. Como no podía perder esta gran oportunidad, decide ocultar su ceguera y seguir adelante con la película. Pueden imaginar la de peripecias que le ocurren al protagonista...

Dejo aquí una escena muy buena en la que él, junto a su representante, buscan la forma de seguir con la película a pesar de su ceguera...

video

Así, Woody Allen propone que todo el mundo debería quedarse ciego durante un tiempo. En ese estado de ceguera lo pasaríamos mal, dependeríamos de otras personas, no podríamos caminar solos,... En definitiva, echáríamos de menos la luz y los colores en nuestras vidas, daríamos lo que fuera por ver de nuevo todas esas cosas que vemos cada día y apenas apreciamos. Al recuperar la vista, todo lo que nos parecía corriente, de pronto, lo veremos precioso, amaríamos con mas fuerza a nuestros mas cercanos, apreciariamos todo, dándole importancia a cada detalle y a cada persona que se nos cruza en nuestro camino.

Es una gran comedia pero no hay que olvidar el verdadero sentido de esta obra de arte y su moraleja: aprecia lo que tienes y no esperes a perderlo para echarlo de menos.

A parte de todo esto, el director neoyorquino también hace una gran crítica a Hollywood, ya que, según Woody Allen, cuando un director propone una idea para hacer una película, en Hollywood te hacen modificarla a su manera. Así, los pequeños directores que no tienen medios para darse a conocer se verán esclavos de este sistema y por lo tanto sus películas no llegarán a ser como ellos querían sino como lo deseen los altos cargos de Hollywood (Según Allen, éstos no saben de cine, sólo se dejan guiar por el benefio que obtendrán). De esta forma, él justifica que cada vez sean peores las nuevas películas de Hollywood.

El mundo del cine es muy duro y no todo es tan bonito como parece. Dentro de éste, al igual que en la moda, la musica,..., hay mucha avarícia, mucha ambición. Gente que con su dinero consigue lo que quiere mientras otros pocos grandes genios no tienen medios para dar a conocer su arte. Todos empiezan desde abajo pero cada vez hay mas corrupción, sobretodo en Hollywood. Muchos directores han terminado retirándose del mundo del cine, por no hablar de los actores explotados... pero ese es otro tema que comentaré en otra ocasión.

En definitiva, os recomiendo esta gran película. ¡Es mucho más que un buen rato de risas!

(Woody Allen en "Un final made in Hollywood".)

"- ¿Y se quedó ciego?
- Sí, se quedó ciego... y unos meses después se quedó muerto... y eso es peor que la ceguera, porque las opciones disminuyen."

Solo se vive una vez (1937), Fritz Lang


Fantástico film dirigido por el directo alemán, Fritz Lang, siendo éste su segundo largometraje americano.

Este genio se vió obligado a emigrar a los Estados Unidos ya que, tras haber finalizado "El testamento del Dr. Mabuse" en 1932, Joseph Goebbels, ministro de publicidad del Imperio alemán -mano derecha de Hitler- le pidió a Lang que aportase sus creaciones en el cine a los estudios alemanes UFA (Estudios cinematográficos más importantes de Alemania durante la Segunda Guerra Mundial), pero Lang, que era contrario a las ideas nazis, lo rechazó y huyó hacia Francia y, más tarde, hacia Hollywood, donde siguió rodando películas.

Entre esas películas estaba "Sólo se vive una vez", protagonizada por Henry Fonda y Sylvia Sidney. Un drama romántico y de cine negro donde, como casi todas las películas del expresionismo alemán, lo que triunfa es el amor.

Henry Fonda es un delincuente que, tras haber estado 3 años en la cárcel, consigue salir y reencontrarse con su mujer pero, tras poco tiempo, le acusan por un robo y un crimen que él no ha cometido y le condenan a la silla eléctrica. La mujer le ayuda a escaparse de la cárcel momentos antes de ser ejecutado y huyen...

Es una película muy bonita y no solo es el final significativo, tiene muchas escenas que hacen alusión al final y, si tenéis mucha imaginación, os daréis cuenta en seguida!